La pintura y sus dobleces

Título de la exposición: Patrick Saytour

Artista: Patrick Saytour.

Lugar: Galería Rafael Pérez Hernando, C/ Orellana, nº 18.

Fecha: 31 de enero de 2018- 30 de marzo de 2019.

La galería Rafael Pérez Hernando acoge por vez primera la exposición que gira en torno a la importante figura de Patrick Saytour, representante e impulsor del movimiento francés Supports/Surfaces, articulado en torno a la exposición colectiva “La peinture en question” de 1970, en el museo de la Villa de París. La muestra se presenta así al gran público como un acercamiento a la práctica artística del artista francés en conjunto, presentando las líneas básicas de la misma. 

Saytour, nacido en Niza en 1935, es uno de los artistas franceses más consagrados de la actualidad y el impulsor de la última vanguardia artística francesa del siglo XX. El citado movimiento supuso la defensa de la pintura como hecho pictórico en sí, alejada de cualquier tipo de planteamiento y divagaciones que la alejaran de su propia fisicidad y problemáticas. Nos encontramos ante un movimiento que no se articula en torno a un estilo uniforme y dado, sino más bien alrededor de un planteamiento que busca dotar de igual importancia tanto al material, al gesto y a la obra finalizada, trascendiendo jerarquizaciones. De este modo, las a menudo abstrusas teorizaciones que se vierten sobre la pintura son obliteradas para pasar al puro contacto con la materia y al disfrute radical sin mediaciones.

Este acercamiento que pretende una toma de distancia frente a todo este corpus atiborrado de teoría, se plasma en el hacer de Saytour en un enfoque deconstructivo que impregna todas sus obras y decisiones artísticas: el rechazo del marco o el bastidor —como sujeción de la obra y como pedestal que eleva ontológicamente la propia consideración de la pintura—, o la elección de materiales pobres y humildes —como telas enceradas utilizadas en la elaboración de manteles—, origina un lenguaje sencillo, sin pretensiones de grandeza, que disfruta y se regocija en su llaneza y decorativismo. Así se producen obras muy estéticas, coloridas y vibrantes que enlazan con una primacía del color y una disposición de las formas dirigidas por la pura intervención desinteresada y errática que el artista adopta como motor artístico. Nos encontramos también con obras divertidas, que buscan el puro disfrute visual, que cuelgan de la pared ondeando despreocupadamente, mostrando caprichosas combinaciones de formas y composiciones. 

La otra parte de la exposición nos introduce de lleno en la poética del pliegue, la doblez, la arruga en tanto que hacer pictórico: el doblado del papel como praxis artística que encarna ese acercamiento desprejuiciado y liberado citado anteriormente. Tras el doblaje, la colocación de ciertas machas de pintura y su posterior despliegue, la obra resultante se revela como hija del azar, del propio fluir de los materiales. Es por ello que este modo de proceder revela, a mi modo de ver, no solamente un posicionamiento crítico ante la posición del artista clásico con agencia plena y torrencial, sino también una humildad y respeto a la hora de encarar el proceso pictórico: una tolerancia que media entre el pintor y los materiales, concretada en esa libertad que Saytour parece dejarles en el desarrollo de sus tensiones, dinámicas e idiosincrasias propias. Es el cuadro Untitled (2012) el que mejor presenta esta relación entrañable de un pintor consciente del poder insondable que guarda la materia prima, como si una excesiva manipulación de la misma pudiera descartar esta frágil pero fructífera conversación.

Patrick Saytour, Untitled, 2012.

Este distanciamiento tanto critico como fáctico del artista supondría también un cuestionamiento de su propia agencia como pintor; praxis que ha tomado forma históricamente en esa genialidad que movería al artista, impelido como única salida a la purga torrencial de sus emociones y creatividad sobre el lienzo. Saytour parece distanciarse de esta construcción mítica y adopta una suerte de papel rector que orquesta el hacer contingente de cada ingrediente de sus obras. Esto revela además un ataque directo y llano hacia los planteamientos metafísicos que rodean normalmente al arte y a la figura prototípica del artista. 

Color, ritmo, poética: una retórica tramada por soportes y ornamentos para alumbrar el disfrute estético que parece surgir de un delicioso azar. Un grupo de obras que no esconden su pretensión de entretener al público a través de sus cortes y formas caprichosas extendidas en las parceladas superficies. Una invitación interesante para mezclarnos con un arte “sin dobleces”. Permitámonos la oportunidad de poner la pintura en question. 

 Javier Jiménez Leciñena